Light in Art: Perception and the Use of Light in the History of Art av Massimo Mariani

Denne rikt illustrerte boken tar leseren med på en reise gjennom kunsthistorien for å utforske hvordan kunstnere har anvendt lys – og mangelen på lys i form av skygge – for å formidle beskjeder om motivene sine eller skape en spesielt stemning. Med eksempler fra mestere som Giotto, Botticelli, Caravaggio, Vermeer, Courbet, Turner, Klimt og mange andre, illustrerer boken bredden og dybden av lysbruk i kunsten. Den inkluderer også teoretiske tilnærminger fra tidlig filosofi, som går fra Platon og Aristoteles, til Descartes, Newton, Goethe og Chevreul. Gjennom historien har kunstnere lekt med lys, sett på det både som tema og verktøy for å skape ønsket atmosfære, formidle ideer og vekke følelser hos betrakteren. I middelalderske fresker symboliserte lysstråler Guds tilstedeværelse, mens nederlandske malere fra 1600-tallet utnyttet lys for å indikere dybde og skape en imponerende setting. Inntrykkistene ønsket å fange lyset selv, og vise hvordan det påvirker overflatene på objekter i form av farge. Fotografi og film har også brukt lys, både naturlig og kunstig, for å skape visuelle opplevelser.